Nel buio del bosco
Il 23 aprile 2026, al Teatro Ponte a Ema, Zona Crepuscolare ha portato in scena “Nel buio del bosco”, produzione italiana del dramma psicologico di Neil LaBute, con la regia di Marco Bartolini. Per novanta minuti, il pubblico è stato rinchiuso in una baita nel bosco insieme a due fratelli, con una tempesta fuori dalle finestre e una verità che cambiava continuamente forma ogni volta che qualcuno cercava di spiegarla.
Zona Crepuscolare è una compagnia teatrale specializzata in drammaturgia contemporanea. "Ci piace avere l'opportunità di parlare con l'autore e fargli delle domande", afferma Bartolini, anche se non si sa se abbia mai provato a farlo con Neil LaBute in persona. E, se lo ha fatto, se abbia chiesto al famoso autore americano perché odi così tanto i suoi personaggi femminili. O tutti i suoi personaggi, come abbiamo potuto constatare in quest'opera.
"Nel buio del Bosco"
di Neil Labute
regia: Marco Bartolini
con: Bettina Bracciali e Filippo Catelani
aiuto regia: Greta Pierotti
sound design: Mariia Babanove + I.R.
costumi e scenografia: Asha Komarovskaia
produzione: Zona Crepuscolare
La storia inizia con una richiesta apparentemente ordinaria. Betti chiede a suo fratello Lore di aiutarla a spostare scatoloni e pile di libri lasciati da uno studente che aveva affittato la sua baita isolata. Ma la tempesta che infuria fuori passa lentamente in secondo piano rispetto a quella che si sta sviluppando tra i due personaggi. Vecchie ferite, rancori, pregiudizi, bugie e contraddizioni riemergono uno dopo l'altro, trasformando l'opera in un thriller psicologico in cui ogni nuovo dettaglio cambia la percezione del pubblico su quanto accaduto in precedenza.
Neil LaBute costruisce l'intera struttura del dramma attorno all'instabilità. I suoi personaggi non sono mai del tutto innocenti, ma nemmeno completamente mostruosi. Il rozzo sessismo e l’ottuso razzismo di Lore coesistono con un senso morale sorprendentemente rigido; l'intelligenza e la sensibilità di Betti convivono con la manipolazione e la disonestà istintiva. Il testo costringe costantemente il pubblico a riconsiderare i propri giudizi, ponendo una domanda scomoda che rimane sospesa fino alla fine: quanto possiamo davvero conoscere un'altra persona?
L'adattamento di Marco Bartolini amplifica la tensione del testo originale, calando la storia in una realtà toscana riconoscibile. L'uso del dialetto, i ritmi familiari della conversazione e le dinamiche sociali tipicamente italiane rendono il conflitto pericolosamente vicino alla quotidianità. Questi personaggi non esistono dietro il filtro protettivo di una cultura distante o di un mondo sconosciuto. Sembrano persone che il pubblico potrebbe aver già incontrato, con cui aver discusso o seduto accanto a una cena in famiglia in qualche angolo della campagna tra Firenze e Prato.
Questa familiarità diventa uno degli elementi più inquietanti della produzione. Lore sembra il tipo di uomo che passa le mattine al bar del paese a commentare a voce alta la politica prima di recarsi in cantiere, mentre Betti ostenta la sicurezza attentamente controllata di una persona rispettata nel suo ambiente professionale, abituata ad essere ascoltata e creduta. Persino la presenza invisibile dello studente attorno al quale ruota l'intera storia risulta riconoscibile: il silenzioso outsider che arriva da un'altra città, portando con sé i suoi libri e la sua vita privata in una comunità dove tutti notano tutto. L'isolamento della baita, circondata dalla pioggia e dall'oscurità, non appare più teatrale o simbolico: assomiglia al tipo di casa isolata che si potrebbe davvero incontrare guidando di notte tra le colline toscane.
Le interpretazioni si muovono con la stessa tensione circolare del testo stesso. Bettina Bracciali e Filippo Catelani raramente permettono al conflitto di rimanere statico. Gli attori attraversano continuamente il palcoscenico, ritornano alle posizioni precedenti, si interrompono, rivivono vecchi litigi e riaprono ferite che inizialmente sembravano secondarie. Le conversazioni non procedono mai in linea retta; al contrario, si snodano a spirale attorno a errori passati, ricordi e umiliazioni, come se i personaggi fossero incapaci di sfuggire a ciò che è già accaduto loro. Ogni rivelazione emerge strato dopo strato, smantellando lentamente l'immagine che entrambi i fratelli hanno cercato di costruire di sé. Il risultato è un ritmo costruito meno su colpi di scena esplosivi che su una graduale erosione emotiva.
Questa produzione ha una qualità insolita: non sembra del tutto teatro tradizionale, ma non è nemmeno del tutto cinema. Anche senza primi piani o movimenti di macchina, la messa in scena crea un senso di prossimità: durante gli scambi più intensi il pubblico è attratto verso i personaggi, mentre nei momenti più pacati lo spazio sembra aprirsi, rivelando in un colpo solo l'intera composizione della scena.
Sebbene la scenografia rimanga statica per tutta la durata dello spettacolo, luci e suoni rimodellano sottilmente ciò che vediamo, guidando l'attenzione da un dettaglio all'altro come se il palcoscenico venisse "montato" in tempo reale. Un cambiamento di illuminazione può isolare un gesto della mano o un volto nel silenzio, mentre il sound design accentua le transizioni emotive. Il risultato è una performance che si comporta come un film senza mai lasciare il palcoscenico.
Con il progredire dello spettacolo, la trasformazione dei personaggi diventa visibile non solo attraverso le rivelazioni del copione, ma attraverso i loro corpi stessi. Movimenti, voci, postura e persino il modo in cui occupano il palcoscenico cambiano lentamente insieme alla percezione del pubblico. All'inizio, Betti appare quasi intoccabile: elegante, composta, perfettamente padrona della propria vita. La sua camicetta giallo brillante, le scarpe costose e l'informalità attentamente calibrata costruiscono l'immagine di una donna di successo che sa esattamente qual è il suo posto. Accoglie Lore in casa, gli offre del denaro per il suo aiuto, gli porge un asciugamano, cerca di mantenere il ruolo della sorella maggiore stabile e razionale.
Ma poi le luci si spengono. E con esse, l'illusione che lei si è costruita intorno.
Lore entra inizialmente in scena come una presenza sgradevole: scarpe pesanti, abiti grigio scuro, gesti goffi, silenzi tesi e un umorismo rozzo che creano immediatamente distanza tra lui e il pubblico. Eppure, man mano che il conflitto si intensifica, la sua pesantezza fisica si trasforma gradualmente in qualcosa di inaspettatamente solido. Mentre Betti perde le certezze e scivola sempre più in zone grigie morali – e quasi letterali – Lore diventa lentamente il centro di gravità emotivo dell'opera, una figura la cui cruda onestà inizia a illuminare il palcoscenico più della luce stessa. Il contrasto visivo tra i due fratelli si inverte completamente, finché il pubblico non si ritrova a chiedersi non solo chi siano queste persone, ma anche se siano mai state davvero ciò che sembravano essere all'inizio.
La scenografia rafforza questa sensazione di intrappolamento. La baita stessa è claustrofobica, stipata di libri, scatole e oggetti personali che diventano sempre più inquietanti con il progredire della pièce. Alle sue spalle si erge una foresta oscura e trasparente, sospesa come un'ombra permanente sul palcoscenico. Inizialmente, il bosco appare minaccioso, quasi inghiottendo i personaggi dallo sfondo come un incubo incombente. Ma nei momenti più bui dello spettacolo, la foresta cambia funzione: la luce che filtra tra gli alberi la trasforma in qualcosa di rivelatore, non nascondendo più i personaggi ma esponendoli, illuminando le loro decisioni e contraddizioni morali con crudele chiarezza.
Anche il sound design gioca un ruolo essenziale nella costruzione dell'atmosfera. La pioggia non smette mai. Rimane costantemente presente, perseguitando lo spettacolo dall'inizio alla fine, riempiendo ogni silenzio e ogni pausa tra le accuse. Parallelamente, frammenti di musica emergono da una radio che non riesce mai a completare una canzone, aggiungendo il rumore bianco della tempesta. Le melodie iniziano solo per essere interrotte a metà frase, lasciando tutto emotivamente irrisolto. L'effetto è profondamente inquietante: persino il suono stesso sembra incapace di raggiungere certezze o conclusioni.
E forse questa è l'idea centrale di Nel buio del bosco. La verità all'interno dell'opera non esiste mai come qualcosa di fisso o stabile. Cambia a seconda della prospettiva, del momento, della memoria e delle emozioni. Ogni confessione contiene un'altra omissione; ogni accusa cela un'altra ferita. Alla fine dello spettacolo, il pubblico non si ritrova con delle risposte, ma con la scomoda consapevolezza che gli esseri umani raramente sono riducibili a un'unica versione di sé stessi.
Come la foresta che circonda la baita, più ci si addentra nella storia, più gli alberi diventano alti e scuri.
